SHAME

Excelente thriller psicológico de Steve McQueen, quien ya prometía mucho en su anterior y primera entrega HUNGER; en donde narra la historia de un prisionero irlandés que lidera una huelga de hambre en los años 70.

En SHAME vuelve a contar con el actor Michael Fassbender quien interpreta a Brandon, un hombre solitario de clase media alta en New York, que padece una tremenda adicción al sexo, lo que le impide relacionarse de forma estable con una mujer. La historia transcurre sobretodo en las calles frías, en un gris apartamento y en el metro neoyorquino, donde el trabajo en la cinefotografía de Sean Bobbit BSC (ya había colaborado en HUNGER con McQueen, y además es notable su trabajo con Derek Cianfrance en BLUE VALENTINE y en la prometedora THE PLACE BEYOND THE PINES), se luce al mostrar una ciudad gris, hostil, en una paleta de tonos fríos y desaturados,  matices azulados-verde, y en donde los únicos ambientes bañados con una luz cálida y dura, son precisamente aquellos en donde Brandon se dedica sus horas atendiendo su adicción, ya sea solo, con una prostituta (o con dos) o en un live chat.

El punto de giro lo proporciona la llegada de su hermana Sissy, a quien da vida la talentosa Carey Mulligan, lo cual trastoca la "apacible" vida solitaria de Brandon. 

La relación hermano-hermana se ha visto afectada por los años, pero sobretodo por la alienación de Brandon. Sissy lo busca incesantemente, pero Brandon la rechaza; en un intento genuino, pero extraño, de alejarla de su miserable vida. 

La cámara de McQueen narra en planos largos, sosteniendo las escenas en encuadres medios o abiertos por varios minutos. De esta forma, logra transferir una vitalidad y cercanía a los actos de sus personajes capaces de llevarnos hasta el fondo de la pantalla. Sin embargo, hay momentos en que el ritmo del montaje obedece a la tensión emocional de Brandon y entonces nos agitamos con los cortes discontinuos, como cuando éste se deshace de toda la pornografía que hay en su casa, en un vano intento por "limpiarse".

En ésta excelente entrevista podremos saber más de la cinta, además de escuchar hablar a este inteligente cineasta y a su actor fetiche, con quien se ha vuelto a juntar en un nuevo proyecto que acaban de terminar de filmar llamado "TWELVE YEARS A SLAVE" basado en una novela del siglo XIX escrita por Solomon Northup, y que contará además con la presencia de Brad Pitt y el gran Paul Dano.

CHUNG KING EXPRESS

Uno de los mejores filmes del gran Wong Kar-Wai, quien en los años 90 se consagró en la escena mundial con películas como Fallen Angels, Days Of Being Wild, Happy Together, y por supuesto Chung King Express. En la década siguiente haría sus obras maestras: In The Mood For Love y la exquisita 2046; sin embargo ésta cinta constituye toda una joya del cine asiático que en aquella época comenzó a hacer ruido en festivales internacionales.

De la mano de su grandioso cinefotógrafo, el australiano Christopher Doyle; y de dos grandes figuras de la pantalla china: Tony Leung y Faye Wong, Kar-Wai nos presenta historias casi paralelas, sobre la búsqueda del amor, encuentros y desencuentros en bares, pasillos de mercados, restaurantes de comida rápida y apartamentos inundados en un Hong Kong colorido y lleno de una melancolía romántica, la cual le imprime con un soundtrack que va desde una intro surreal en la "Baroque" de Michael Galasso, pasando por la pegajosa "Things In Life" de Dennis Brown logrando una inolvidable escena de ligue en un bar, el leit-motiv de la historia "California Dreamin'" de The Mamas and The Papas, que el personaje de Faye Wong escucha a todo volumen mientras atiende clientes y prepara hotdogs, y la fabulosa versión cantonesa de "Dream Person" de The Cranberries, interpretada por la misma Faye Wong.

En esta gran película, se cuentan 2 historias. En ambas, un agente de policía se enamora. El primero, conoce a una astuta contrabandista en un bar. El segundo conoce a una sencilla joven que trabaja en un bar de comida rápida llamado ChungKing Express. Ambos están enamorados, o al menos persiguen un amor que parece eludirlos. Cuando conocen a dichas mujeres, una nueva esperanza se asoma, aunque las circunstancias puedan llevarlos otra vez al fracaso.

La narración corre casi siempre a cargo de una voz en off, que nos sitúa en la psique de los personajes, mientras que la excelente cinematografía de Doyle, pone el mood en una ciudad ajetreada, donde vemos una persecución en un mercado de baratijas, al inicio de la película, filmada audazmente con cámara en mano e imágenes barridas que dotan a la secuencia de una frescura visual, pero también de una trepidación narrativa que culmina en un encuadre congelado en donde el policía y la mujer traficante accidentalmente se rozan, y ahí la voz en off nos dice: "Fué la vez que estuvimos más cerca. A unos .01 centímetros. 57 horas después, me enamoré de esta mujer." De esta forma arranca la primera historia, enganchando al espectador a lo que será un viaje maravilloso.

Un agasajo visual, musical y narrativo, ya que los personajes nos regalan una serie de actos verdaderamente poéticos. En uno de ellos, el personaje del primer policía, enamorado de May, busca latas de rebanadas de piña en conserva, cuya fecha de caducidad esa el primero de mayo (MAY 01 94) ya que está convencido de que si logra acabarse las latas de piña de la tienda antes de esa fecha, tendrá una esperanza, si no, su amor también caducará. Otro ejemplo es el personaje de Fay Wong, que atraída por el policía de Tony Leung, se mete en el apartamento de éste, durante su ausencia para explorar su closets, jugar con sus aviones, y sus peces, mientras escucha California Dreamin' a todo volumen.

Colores pastel y ácidos en el arte y el vestuario, azules, amarillos mostaza, magentas y verdes en las luces, efectos "en cámara" como barridos, y melancólicos time lapse que marcan el paso de las horas y la soledad, el aislamiento del personaje y su inminente perdición en la vorágine de una sociedad aparentemente indiferente a los corazones rotos.

THE HURT LOCKER

Lo primero que supe sobre este film, fué hace unos meses, cuando vi el trailer en internet.

Me interesó, debo decirlo, más que por Katrhyn Bigelow ( de quien ya había visto buenas películas de acción como Point Break, y Strange Days), por el cinefotógrafo irlandés Barry Ackroyd.

El trabajo de Ackroyd es muy conocido como colaborador de cabecera en las cintas de Ken Loach, lo cual, además de una extensa carrera en el cine documental, le dotan de una habilidad extraordinaria en el manejo de una fotografía naturalista, espontánea, suelta y cruda; alejada de el glamour y estilización que caracterizan un filme hollywoodense.

La manufactura de The Hurt Locker es de un cine independiente, libre y honesto. Así lo noté desde el trailer. Cuando por fin ví la película, en diciembre de 2009, me gustó mucho. 

En contra de las expectativas  de mucha gente, no es una típica película gringa sobre la guerra, donde nos ponen a los soldados como los grandes héroes, o al ejército gringo como salvadores.

De hecho creo que esa visión sobre la guerra ya fué superada desde Platoon (Oliver Stone,1986)

En The Hurt Locker, Kathryn Bigelow, con un guión del periodista Mark Boal, ofrece una mirada al fenómeno de la guerra desde la perspectiva de 3 jóvenes soldados cuya misión consiste en desactivar bombas en Irak.  

Producida de manera totalmente independiente, The Hurt Locker fué filmada en 2007 en locaciones de Jordania, a pocas millas de la frontera con Irak, con varias cámaras de formato Super 16mm, (Las escenas de explosiones en cámara lenta fueron rodadas con cámaras Phantom Flex) y logra, a mi entender, una buena película de personaje. La adicción del sargento William James, intepretado por Jeremy Renner, a la adrenalina que le provoca arriesgar su vida constantemente, es insuperable para él. Ni siquiera la quietud y la paz de su hogar en algun pueblo en Estados Unidos, con su mujer y su recién nacido hija, logran llenar su hambre de acción, por lo cual regresa a la batalla. Entiendo que no regresa por un compromiso patriótico a la BraveHeart (Mel Gibson), sino por una convicción meramente personal.

Sin duda lo que más me gustó de esta película fué la manera en que Bigelow le arrebató el Oscar a mejor Director a su ex-marido James Cameron, quien competía con la asquerosa y sobrevalorada Avatar. 

LA HAINE

"EL ODIO", ópera prima del director y actor Matthieu Kassovitz, narra la historia de una día en la vida de 3 amigos en los suburbios de París, durante una serie de choques entre grupos de jóvenes y  policías.  Xenofobia, racismo, juventud, violencia, el ciclo sin fin donde el odio engendra odio,  es el contexto en el que se desarrollan los eventos que se narran en esta cinta de 1995.

VINZ, joven judío, hijo de inmigrantes, violento, impulsivo, es interpretado por Vincent Cassel (en una de sus primeras apariciones en cine); SAÏD,  joven de ascendencia árabe, tranquilo pero desafiante de la autoridad y HUBERT, el más centrado y maduro de los tres. Los tres jóvenes viven en los suburbios de París, en un lugar llamado LA CITÉ y están afectados por la brutal golpiza que la policía antidisturbios ha propinado a ABDEL, un amigo de ellos que se debate entre la vida y la muerte en un hospital. Si Abdel muere, promete VINZ, matará a un policía.
Con esta premisa la cámara de Kassovitz viaja en un constante y exquisito Steadicam o en travels que acompañan a a los personajes en su aventurada odisea. Narrada en blanco y negro, con un ritmo de edición muy apoyado en el sonido incidental de las escenas, LA HAINE logra llevarnos al corazón de una ciudad en pugna. Jóvenes rebeldes contra la autoridad, que sienten que el mundo les pertenece por derecho y quieren arrebatarlo a golpes. Hacia el final de la cinta, uno de ellos cuenta un supuesto chiste: Un hombre cae desde lo alto de un edificio y mientras se acerca a su inevitable encuentro con el suelo, piensa: "Hasta aquí todo va bien"(Jusqu'a ici, tout va bien) Pero, ¿hasta cuándo?

Esta película ha sido sin duda una gran influencia en mi formación audiovisual desde que la ví en una muestra allá por al año 1996. Desgraciadamente, Kassovitz perdió el estilo, ya que sus posteriores obras han sido auténticos churros.

ALAMAR

Borrando completamente la frontera entre el documental y la ficción, la ópera prima de Pedro González Rubio, y producida por Mantarraya, de quienes hemos visto filmes mexicanos tan bellos como Luz Silenciosa y Japón (Carlos Reygadas) y Los Bastardos ( Amat Escalante), nos narra una aventura marítima vivida por un padre(Jorge) y su pequeño hijo (Natan) quienes pronto deberán separarse por un tiempo indefinido, ya que el niño irá a vivir con su madre a Roma.

El tiempo transcurre distenso, mientras los personajes habitan un espacio delimitado por el azul turquesa del caribe mexicano. En una cabaña levantada sobre el mar con palotes, viven Jorge y Natan con Matraca, el padre de Jorge. Salen a pescar diariamente y poco a poco se forma un lazo entre padre e hijo. Él le dejará a su hijo esta hermosa experiencia, a través de la cual el hijo recordará siempre a su padre, pues vivirá con su madre lejos de México. Quién sabe hasta cuándo.

Pedro González Rubio, formado en el documental, nos regala una ópera prima cargada de una emotividad con la que cualquiera se puede conectar, pues todos somos hijos y algunos somos padres. Quizá es esto último precisamente lo que me mueve tanto de este film. La experiencia que le deja un padre a su hijo. No tanto enseñanza práctica ni educación.

En Italia de poco le servirá saber pescar sin caña, ya que, como el mismo personaje del niño lo dice: "En Italia no se pescan los peces, se compran."

La cámara en mano enlaza con los personajes en su deambular por la isla y más en su navegar cotidiano en las olas del mar. Nos deja sentir ese constante ir y venir del agua. Y su sonido que a todo tiempo, aún en interiores no permite olvidar la presencia del mar. Quizá esto es lo que más recordará el pequeño Natan cuando viva en Roma: el sonido del mar.

Esta hermosa película se estrena en México el 26 de agosto. No se la pierdan. Ganadora de diversos premios en festivales internacionales como Rotterdam, Toulouse, Morelia y Miami, por nombrar algunos.

Man BItes Dog

Como podrán notar, las escasas reseñas de películas que escribo, poco tienen que ver unas con otras. Quizá su común denominador es que son pelis que en algún momento me han gustado muchísimo.

En días recientes, revisité la cinta Man Bites Dog, del trío belga compuesto por Remy Belvaux, André Ponzel, y Benôit Pooelvorde. De hecho el título original en francés es "C'est Arrivé Prez de Chez Vous." 

Este filme, hecho por tres jóvenes recién salidos de una escuela de cine en Bélgica entre 1989 y 1992, propone presentar una crítica a la sociedad y al ser humano de hoy, através de un excelente falso documental lleno de un humor negro, ácido, en tono de sátira social. 

Tres jóvenes, (Remy, André y Vincent) estudiantes de cine, siguen con su cámara de 16mm las andanzas de Ben; un asesino serial desalmado que igual mata ancianas, niños, mujeres, carteros e inmigrantes, pero que tiene un lado tierno, sensible, amoroso. Ben es un poeta, músico, crítico de arte, niño de casa ( vive con su madre y abuelos), y a la vez es un verdadero hijo de puta cuando se trata de su "trabajo". 

Poco a poco, Ben se hace amigo de Remy y sus compañeros. Les invita a cenar, a beber, les presenta a su familia y amigos íntimos. Cuando a los jóvenes se les acaba el dinero para seguir filmando, Ben les propone financiar el filme. Ellos a su vez empiezan a convertirse en cómplices de los asesinatos. Lo ayudan a deshacerse de los cuerpos primero, Remy le ayuda a sostener los pies y manos de un niño mientras Ben lo ahoga con una almohada, hasta que en un lúcido comentario fílmico, se encuentran un crew de televisión al que, después de descubrir que su cámara es simple "video", Remy acepta la pistola de Ben y dispara él mismo contra el director.

El filme está lleno de tales comentarios, ya sea en acciones de sus personajes, o a través de los exquisitos monólogos de Ben, que habla de mujeres, cine, urbanismo, arte moderno, etc...

Estrenado en Cannes en 1992, el filme se convirtió de la noche a la mañana en un éxito. Las salas abarrotadas de la riviera francesa en aquel verano dejaron fuera a varios distribuidores iracundos. Se llevó  la Semana de la Crítica y el Premio de la Crítica Internacional. En su natal Bélgica se convirtió en un instantáneo hit, superado en taquilla únicamente por Lethal Weapon 3. 

Los 3 jóvenes cineastas tardaron más de 2 años en completar su filme, trabajando en sus tiempos libres, ayudados por familia y amigos, financiando desde su bolsillo y algunos apoyos gubernamentales.  El costo ascendió a poco más de 15,000 dólares.

Desgraciadamente, esta excelente obra es casi imposible de conseguir en México ya que no ha sido editada en video. 

Hasta la próxima...

Into The Wild.

En 1992, un joven de 24 años llamado Christopher McCandless caminó por una vereda en Alaska, para perderse de la civilización y pasar unos meses en el estado salvaje de la naturaleza. Nunca regresó. Años después, el alpinista y escritor Jon Krakauer, (autor de exitosos bestsellers sobre montañismo como "Eiger Dreams" y " Into Thin Air"), se encontró con la historia y escribió un artículo para la revista "Outsider". A raíz de las cartas que recibió en respuesta, pero más motivado porque se obsesionó con la historia del muchacho, Krakauer decidió escribir un libro. 

El resultado fué " Into The Wild" , un libro de ventas exitosas en Estados Unidos y Canadá. Yo leí el libro en 2001 y me pareció muy interesante la historia, y el personaje real que era McCandless me resultó fascinante. Un chico americano, que lo tenía todo y decidió renunciar a toda posesión terrenal para emprender un viaje en busca de sí mismo, y de su espíritu. Leía constantemente a Thoreau, Waldo Emerson, Tolstoi, Whitman, autores que proponían una existencia liberada de ataduras materiales y sociales como el dinero, la propiedad privada, el mercado de consumo, etc...

 En 2008, esta historia es llevada al cine por el excelente actor Sean Penn, quien ya había demostrado una gran capacidad por la dirección cinematográfica en la colección de cortos sobre el 9/11, siendo el suyo ( en mi opinión y la de muchos) el mejor. 

En esta cinta, llamada también INTO THE WILD, Penn narra la historia de Christopher McCandless de manera suelta y jugando con la cronología. En un principio, puede parecer que no es acertada esta decisión, ya que al inicio del film, creo que hay cosas que no se entienden bien si no se conoce la historia, o el libro; aunque conforme avanza la narración, todo cobra sentido. Y es que tanto la fotografía de Eric Gautier,  la música del gran Eddie Vedder, y la actuación de Emile Hirsch, (cabría destacar también a Catherine Keener y Hal Holbrook) hacen que ésta película sea un agasajo audiovisual, y narrativo. Todos podemos encontrar un poco de McCandless dentro de nosotros mismos. ¿Cuántos no quisiéramos dejarlo todo por una aventura como ésa?, ¿Por un viaje espiritualmente enriquecedor y personalmente tan revelador? Alexander Supertramp, alias de McCandless durante su viaje, nos dice que "El hombre sólo se prueba a sí mismo cuando enfrenta a la naturaleza y sobrevive sólo con su cabeza y sus manos desnudas." 

¿Qué somos ahora sin autos, sin dinero, sin internet, sin computadoras, palms, ipods, y cuánta mierda el consumismo actual ha arrojado ante nosotros como sociedad? 

Ésta historia plantea estas cuestiones y reflexiones, que creo son importantes en un mundo como el nuestro hoy. 

Claro, McCandless tomó una decisión que ultimadamente le costó la vida. Un error estúpido como el que cualquier humano comete. Pero creo que murió feliz, y realizado.

Para quienes no hayan visto esta película, llamada en México " Camino Salvaje" se las recomiendo ampliamente. Para quienes ya la vieron, busquen en libro de Jon Krakauer. Les ayudará a entender un poco más a McCandless y a todos aquellos aventureros que alguna vez decidieron dejar atrás su mundo conocido, su familia, sus amigos, la sociedad, el confort de un hogar, de un coche etc... por un viaje HACIA LO SALVAJE....